Галина Приходько
Эксперт по предмету «Дизайн»
Технически прогресс и мировоззрение
Завоевание индустрией мирового господства оказало существенное влияние на образ жизни общества и его мировоззрение. Уже в конце XVIII века результаты первой промышленной революции, изменившие устоявшиеся представления об эстетических и технических воззрениях общества, явили новые технологии, образцы промышленных изделий, инновационные инженерные разработки. Несмотря на несовершенство первых образцов тиражируемых машинным производством изделий в сравнении с качеством эксклюзивной продукции ремесленников, обладающих опытом и традициями, коренной переворот в общественном сознании ознаменовал необратимый переход к новым формам изделий во всех сферах жизнедеятельности.
Конфликтная ситуация, возникшая на начальном этапе адаптации человека к промышленному производству, обусловленная снижением качества индустриально выпускаемых форм, в сравнении с привычными товарами, производимыми мануфактурами и ремесленниками, потребовала решения проблемы путем интеграции новых открытий в науке, технических новаций и решений, новых принципов формообразования с привлечением профессиональных художников. Организационно междисциплинарный союз профессионалов первоначально был представлен специальными комитетами поощрения связи искусства, повседневной жизни и техники (комитет Эверта, Англия, 1836 г.). Идея подключения к технической деятельности художественного начала стала отправной точкой развития промышленного дизайна.
Эстетика промышленной вещи Уильяма Морриса
Идеи Д. Рескина нашли продолжение в 50-е годы XIX века в Англии, где сформировалось движение европейской художественной промышленности, которое возглавил Уильям Моррис (1834-1896). Поэт и художник, У. Моррис выразил свои идеи эстетизации промышленной вещи в книге «Искусство и краса земли», распространив теорию объединения искусства и производства вещей далеко за пределы Англии. Благодаря деятельности У. Морриса широкая общественность прониклась идеей воссоздания предметного окружения с позиции материально-художественной культуры в период промышленной революции.
«Идеи дизайна в эпоху промышленных революций» 👇
Идеи У. Морриса в 60-70-е годы распространялись на весь предметный мир, создаваемый человеком в процессе повседневного труда. Высказывая идею непосредственного участия художника в создании промышленных изделий, У. Моррис, практически, обозначил роль и место дизайна в новой индустриальной действительности. Единомышленники и последователи У. Морриса, воплощавшие идеи привнесения эстетизации в жизнь обезличенного промышленным однообразием человека, создавали удобные и красивые уникальные предметы роскоши в школе конструирования. Критикуя обезличенность тиражируемых машинным способом вещей, У. Моррис, тем не менее, стал одним из первых теоретиков будущего дизайна, сформулировал, используемые будущими поколениями, принципы формообразования предметов быта в сфере промышленного производства.
Новаторскими для Англии викторианского периода стали идеи У. Морриса оформления с позиции эстетической целесообразности частного жилого помещения, широко и открыто обсуждаемые обществом. Художник предлагал, по сути, модернизировать привычный интерьер, лишенный нагромождения мебели, создавать проекты светлых, «облегченных» жилых помещений с рациональной, без излишней вычурности, мебелью и убранством, закладывая, тем самым, основы проектирования предметно-пространственной среды.
Идеи У. Морриса поддерживали многочисленные художники и архитекторы, включившиеся в новую для того периода сферу деятельности. Стремясь реформировать весь культурный облик страны, У. Моррис выдвигал новые идеи распространения эстетического начала во все области производства предметов, обратил внимание на связь материала и производимой из него вещи, указал на важный принцип соответствия формы, украшения и отделки предмета его назначению. Провозглашенные У. Моррисом и его единомышленниками идеи, нашли свое продолжение в дальнейшей производственно-художественной практике.
Практическое воплощение дизайн-идей
Распространяясь на все сферы производственной деятельности периода начала индустриализации, идеи художественного оформления изделий массово и наглядно воплотились в интерьерах и мебельном производстве. Так, в середине XIX века дизайнер Михаэль Тонет явил обществу ставший одним из самых популярных и продаваемых в XIX-XX вв. стульев – венский стул (рис. 1, 2).
Рисунок 1. Венский стул как образец идеи интеграции технологии, эстетики и рационализма. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ
Рисунок 2. Венские стулья (варианты дизайна). Автор24 — интернет-биржа студенческих работ
Дизайнер, изучив технологические аспекты деревообработки, изобрел и запатентовал промышленный способ сгибания древесины, который позволял собирать стул всего из шести деталей. Эта технология упростила и удешевила процесс производства, сделав общедоступным для населения достаточно элегантный предмет интерьера. Легендарный во всех отношениях венский стул не утратил своего значения и для дизайн-проектов XXI столетия. Претерпевший многочисленные улучшения, модификации венский стул можно увидеть в гостиных и на кухнях всего мира, независимо от стилевых тенденций интерьера (рис. 3, 4).
Рисунок 3. Венский стул в современном дизайне. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ
Рисунок 4. Венский стул в современном дизайне. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ
Модернизация быта, характерная для периода промышленной революции, затронула проблему облегчения ручного труда, подвигнув инженерно-технические кадры на теоретические и практическое воплощение идеи. Уже во второй половине XVIII века в Англии была сконструирована швейная машина. Несовершенство первых промышленных образцов не отразились на популярности изделия. К началу XIX века английский изобретатель Томас Сэйнт уже представил первый дизайн швейной машины, имевшей несколько практических функций и предназначений для изготовления различных изделий из кожи и холста. Концептуально и технически инновационная разработка инженера-дизайнера совершенствовалась и дорабатывалась, представ в 1874 году в более совершенном виде.
Идеи конструирования многофункциональной швейной машины культивировалась более полувека многими инженерами и, даже портными (1804 г. – Т. Стоун, Д. Хендерсон, Д. Дункан; 1807-1814 гг. – Й. Мадерспергер; 1830 г. – Б. Тимонье; 1845 г. – Э. Хоу и др.). Наиболее известная, дошедшая до наших дней, технологическая и дизайнерская версия швейного аппарата, известная и узнаваемая во всем мире, принадлежит Зингеру и Гиббсу (рис. 5). Созданная промышленным способом в 1851 г. модель конструктивно совершенствовалась и усложнялась, становилась более быстроходной и специализированной, входя постепенно в быт каждой семьи.
Рисунок 5. Модель швейной машины Singer. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ
Находи статьи и создавай свой список литературы по ГОСТу
Поиск по теме
ЛЕКЦИИ ПО КУРСУ:
«ДИЗАЙН МЕБЕЛИ
И ИЗДЕЛИЙ ИЗ ДРЕВЕСИНЫ»
Развитие
и состояние дизайна
Цель и задачи
курса
С 1919г. образцы,
исполняемые промышленным способом,
получили название industrial.
Этот термин сначала утвердился в США,
а затем в других странах и был принят
для обозначения новой области творчества
для промышленного производства. Этот
термин был принят для обозначения
области деятельности, связанной с
художественным конструированием
промышленной продукции. В нашей стране
в этом значении применяется термин
«дизайн».
Дизайн (от англ.
design
– замысел, проект, конструкция, рисунок,
композиция) – художественно-конструкторская
деятельность в промышленности,
охватывающая творчество художника
конструктора (дизайнера), методы и
результаты его труда, условия их
реализации в производстве. Цель дизайна
– создание новых видов и типов изделий,
отвечающих требованиям общественной
пользы, удобства эксплуатации и красоты.
Теория дизайна получила название
технической эстетики.
Художественное
конструирование не подменяет
конструирование инже
История промышленного дизайна
На заре
технической цивилизации.
Предметное окружение
человека имеет многовековую историю,
она берет свое начало на заре человечества,
в каменном веке, когда первобытный
человек изготовил первые орудия для
труда, защиты и добычи пищи. Возраст
древнейших орудий труда, как показывают
археологические раскопки, 2,9 млн.лет.
(ручные рубила). Гениальным изобретением
стали лук, тетива и стрелы, явившиеся
по сути, первыми технически сложными
орудиями. Лук открыл человеку тайну
передачи и преобразования движения,
став первым прообразом сверлильного
приспособления, музыкального инструмента.
Колесо и повозка самые замечательные
изобретения в истории техники. Ученные
полагают, что первые колеса появились
в Шумере 5200 лет назад. Первые колеса
были сплошными, из деревянных чубраков,
колеса со спицами появились примерно
в 2000 г. до н.э. колесо сдвинуло историю
человечества с мертвой точки. Ткачество
кардинально изменило жизнь и облик
человека. Возраст древних тканей 25-26
тыс.лет. Ткани были сделаны из волокон
крапивы и имели несколько видов сложного
переплетения нитей. В конце каменного
века (5-3 тыс.лет до н.э.) – человек создает
первые искусственные материалы. Это
текстиль и керамика. С изобретением
глиняных сосудов человек получил
возможность для приготовления и хранения
пищи.
Огромное влияние
на развитие техники оказало общественное
разделение труда и появление ремесел
как общественного вида труда. Специализация
в сельском хозяйстве, ремеслах привела
к появлению новых орудий труда. Развитие
ремесел и торговли привело к образованию
городов. первые города возникли еще на
заре рабовладельческого способа
производства и относятся к 3-1 тысячелетиям
до н.э. Литье с использованием разъемных
каменных форм, позволявшая изготавливать
тиражи, можно рассматривать как первое
массовое производство орудий.
Орудия первобытного
человека были далеки от совершенства,
но с их помощью человек встал на путь
собственного развития, путь открытий
и изобретений, который, в свою очередь,
привел к созданию и более совершенных
орудий труда, предметов обихода,
украшений, а в итоге и ко всему тому, что
именуется сегодня словом «дизайн».
Откуда пошел промышленный дизайн
В 1997 году мировая
культура отмечала 90 – летие промышленного
дизайна – уникального явления, которое
соединяет в себе искусство и технику.
Дизайн делает продукцию массового
производства привлекательной для
потребителей и выгодной для изготовителей.
Умело сочетая конструкцию, материалы
и форму таких простых предметов, как
стакан, или таких сложных, как автомобиль,
дизайнеры стремятся сделать их недорогими
в изготовлении, удобными и безопасными
в употреблении, привлекательными для
глаз и приятными на ощупь. Не буду
оригинальным, если скажу, что дизайнер
обязан быть мастером во всех областях
своей профессии. Корни дизайна уходят
к началу XIX века, в эпоху появления
массового машинного производства и
разделения труда. До промышленной
революции в труде ремесленника дизайн
непосредственно сочетался с изготовлением
изделия. История развития художественного
конструирования берет начало с середины
19 в.
Кустарное
производство
– ручной труд примитивные орудия труда,
примитивная технология, малосерийное
производство + учитывались все потребности
человека к вещи: полезность, функциональное
совершенство, удобство, красота,
экономическая целесообразность
(дороговизна) Производством бытовых
вещей издавна занимались ремесленники.
Понятно, что ремесленник – не дизайнер.
Ремесленник делает одну и ту же вещь из
одного и того же материала. Вещи получались
индивидуальные, эксклюзивные, дорогие
(при качестве) и производились в малом
количестве (сколько сможет осилить один
человек) 6 принципов работы кустаря:
социологический, инженерный, эргономический,
эстетический, экономический, экологический.
Индустриальное
производство
– “нечеловечные, холодные предметы”
С приходом века индустриализации
дизайнер стал создавать прототипы
изделий, которые с помощью машин
производили другие люди. Практика
раннего дизайна была весьма примитивной.
Функциональностью и экономичностью
производимой продукции занимались
инженеры, а дизайнеры отвечали лишь за
ее эстетический вид. Оказалось, что
дизайнеры должны создавать прототипы
массового машинного производства,
предварительно изучив технологию
современного производства и свойства
материалов. Назначению изделий и простоте
обращения с ними придавали столь же
важное значение, как и их внешнему виду.
В скором времени дизайнерские фирмы
стали набирать в штат чертежников,
модельщиков, инженеров, архитекторов
и специалистов по изучению рынка. 1785г.
в Англии начинает развиваться
индустриальное машинное производство
– специализация, узкопрофессиональный
подход, разделение труда, потоковость.
Этап дизайна
соединил достоинства предыдущих двух
этапов. Дизайнер работает на промышленном
производстве, использует различные
материалы и технологии. Дизайнер связан
с массовым производством и с его уровнем
и возможностями, а эти возможности, к
сожалению часто не оправдывают ожиданий.
Оформители и бутафоры украшают свои
вещи, но дизайнер – существо высшее, он
обязан мыслить масштабно и разнопланово,
он обязан наперед представлять как
поведет себя его будущее творение в
своей среде обитания, как оно повлияет
на среду и как среда уживется с вещью,
а главное дизайнер должен придать вещи
максимальную симпатию к человеку, к
тому, для кого вещь будет предназначена,
кому она будет служить. Дизайнер обязан
сохранить чистоту идеи – функциональную
обоснованность для формы, материала,
суперграфики т.е. всех составляющих. И
в конце концов предугадать необходимость
создаваемой им вещи.
Дизайн как профессия
возник и сформировался в 20 веке. Но те
или иные его черты и даже характерные
проявления встречаются в самых глубинных
пластах материальной культуры. Поиск
точной даты рождения дизайна не возможен,
но как профессия он возник именно тогда,
когда его основы стали преподавать с
кафедры, а выдача соответствующих
признаваемых обществом, дипломов
поставила специалистов в области дизайна
в один ряд с представителями других
нужных обществу профессий.
Впервые
проблемы преподавания основ дизайна
были заявлены как имеющие самостоятельные
значения при обсуждении итогов Первой
Всемирной промышленной выставки,
проходившей в Лондоне в 1851 году.
Это
сделала занимавшаяся реформой
художественного образования и развитием
художественной промышленности специальная
комиссия, возглавляемая сэром Генри
Колом. В вышедшей тогда же книге “Наука,
промышленность и искусство” немецкого
теоретика искусства Готфрида Земпера,
посвященной урокам Всемирной промышленной
выставки, были даны конкретные предложения
по реформе системы образования в
художественных школах с идеей специализации
обучения по основным видам дизайнерской
деятельности после общих вводных курсов.
Этот принцип обучения был заложен в
программу созданного в 1850 годы
Саут-Кенсингстонского колледжа, в
котором преподавание основывалось не
на отвлеченном штудировании классики,
а на конкретном изучении коллекций
музея и материалов проводившихся здесь
выставок современной художественной
промышленности.
К новым условиям
стала приспосабливаться и основанная
в 1837 году Нормальная школа дизайна,
ставшая после реорганизации ведущим
государственным учебным заведением в
области искусства и известная больше
под названием Королевский колледж
искусств. В 1854 году в Цюрихе открылась
Высшая техническая школа. Архитектурное
отделение в ней было предложено возглавить
Г. Земперу. Здесь он написал свой
знаменитый труд “Стиль в технических
и тектонических искусствах, или
Практическая эстетика”, повлиявший
на сложение теории художественной формы
конца 19 века. Французские художественные
школы в 19 веке , так или иначе связанные
с промышленным прогрессом и готовившие
мастеров для мануфактур, эволюционировали
от общеобразовательных ремесленных
училищ, в сторону специализированных
школ искусств и ремесел. Национальная
школа искусств и мануфактур, открытая
в Париже еще в 1829 году, к середине века
включила в свой курс дополнение к
традиционным основам художественных
ремесел основы механики, физики, химии
и выпускали специалистов , соединявших
в одном лице художника, инженера и
архитектора.
Новый этап развития
европейского дизайнерского образования
был связан с преодолением разрыва между
замыслом и исполнением. Под влиянием
Уильяма Морриса в Англии начали создавать
различные общества и школы ремесел.
Среди них были Общества выставок искусств
и ремесел, Ассоциация искусств и кустарных
промыслов, Королевская школа художественного
шитья. Из наиболее известных личностей
в художественной культуре Англии 19
века, воздействовавших на формирование
методики дизайнерского образования
следует назвать Оуэна Джонса, Чарльза
Ренни Макинтоша и Уолтера Крейна.
В 1899 году в
Королевском колледже искусств было
открыто специализированное отделение
для художников промышленности с целью
“непосредственного приложения
искусства к промышленности”. Большое
внимание в обучении на отделении
уделялось развитию способности выполнять
все своими руками. Это считалось полезным
для художников, создающих проекты
изделий для машинного изготовления.
В 1913 году в Англии
были введены специальные дипломы для
окончивших дизайнерские отделения, в
которых удостоверялось способность к
самостоятельному творчеству в области
живописи, моделирования, прикладной
графики и индустриального дизайна.
Одним из крупных учебных заведений тех
лет была Школа промышленного искусства
в Хельсинки, связанная с деятельностью
финского Общества прикладного искусства.
К середине 1870-х
годов ее программа, характер студенческих
групп и состав преподавателей
стабилизировались. Определились методы
обучения рисунку, геометрическим
построениям на плоскости, в пространстве,
работе с деревом, металлом ,текстилем.
Школа стала ориентироваться в основном
на промышленное производство, сохраняя
связь с прикладной традицией, закладывала
базу будущего профессионального
дизайнерского образования.
К концу
19 века относится возникновение
художественно- промышленных училищ в
Японии. После поездки по Европе один из
реформаторов японского традиционного
художественного промысла Кайдзиро
Нотоми основал в 1887 году в городе
Канадзава училище с тремя отделениями:
искусства и предметного проектирования,
художественных ремесел традиционного
типа, чертежно-графических работ. Годом
позже открывается Высшее художественно-
промышленное училище в Токио.
Основных
направления в становлении дизайна
Принято выделять
два основных направления в становлении
дизайна: Российское (ВХУТЕМАС) и Германское
(БАУХАУЗ). В основе всех мировых школ
дизайна лежат образовательные концепции,
так или иначе восходящие к опыту
ВХУТЕМАСа-Баухауза. Базовыми знаниями
мирового дизайнерского образования
весь ХХ век являлась пропедевтика:
элементарные вводные курсы, учившие
видеть простое в сложном, расщеплять
любую форму – на геометрические
первоэлементы, жизнь – на функциональные
процессы. Сама по себе модернистская
парадигма есть по сути как бы система
художественного образования. Школа
приёмов, с помощью которых можно
анализировать всю предшествующую
культуру, переконструировать существующую
и строить новый мир – целесообразный,
технологичный, функциональный и социально
справедливый.
Германское
направление развития дизайна
В
1907г. в Мюнхене была создана организация,
получившая название (der Werkbund –
“Производственный союз”. В этом
городе в течение 5 лет до переезда в
1912г. в Берлин находилось ее правление.
das
Bauchaus – высшая школа промышленного
искусства БАУХАУЗ (нем. Bauhaus – “дом
строительства”). Высшая школа
строительства и художественного
конструирования – художественное учебное
заведение и художественное объединение
(1919-1933). Основана в 1919 в Веймаре (Германия)
давшее искусству ХХ в. много замечательных
идей и ряд выдающихся деятелей. В 1925
переведена в Дессау, в 1933 упразднена
фашистами. Руководители (В. Гропиус, Х.
Мейер, Л. Мис ван дер Роэ) разрабатывали
эстетику функционализма, принципы
современного формообразования в
архитектуре и дизайне, формирования
материально-бытовой среды средствами
пластических искусств.
Баухауз
был основан в 1919 архитектором Вальтером
Гропиусом , объединившим Высшую школу
искусства и Школу прикладного искусства
в Веймаре. Программа обучения в школе
предполагала соединение искусства со
строительной техникой – как в средневековых
ремесленных гильдиях, но на современной
основе. Баухаус, совместно с институтом
психологии проводили исследования на
предмет воздействия цвета на психологию.
Результатом исследования являются
цветные моющиеся обои.
В
1925 Баухауз переехал в Дессау (близ
Лейпцига). Здесь Гропиус спроектировал
для школы новое здание, которое считается
одним из шедевров архитектуры
функционализма. После переезда в Дессау
в работе школы наметилась тенденция к
большему утилитаризмуи к машинной
эстетике, сложился собственный стиль
Баухауза. В 1928 Ханс Майер сменил Гропиуса
на посту директора. С 1930 по 1933 Баухауз
возглавлял Людвиг Мис ван дер Роэ. В
1932 под давлением властей Баухауз пришлось
перевести в Берлин, а менее чем через
год он был закрыт нацистами. Баухауз
смог просуществовать как уникальная
высшая художественная школа до 1932 года.
С приходом к власти национал-социалистов
он был закрыт как рассадник демократических
идей, объединявший к тому же мастеров
разных национальностей.
Многие
преподаватели и студенты Баухауза
эмигрировали в США и привезли туда свои
идеи. Йозеф Альберс стал преподавать в
Блэк-Маунтин-колледже в Северной
Каролине, Ласло Мохой-Надь открыл в
Чикаго школу “Новый Баухауз”;
архитекторы Гропиус, Марсель Брёйер и
Мис ван дер Роэ, художники Клее, Файнингер,
Кандинский, Шлеммер, Мухе, скульптор
Герхард Маркс продолжали работать,
некоторые занимались преподавательской
деятельностью. Вальтер Гропиус занял
пост декана Школы архитектуры Гарвардского
университета, а Мис ван дер Роэ возглавил
отделение архитектуры Технологического
института Иллинойса.
Возрождение
идей Баухауза. Ныне в Германии действует
Фонд Баухауза. Его руководитель доктор
Вальтер Пригге считает, что “современное
окружение зачастую перегружено
стилизациями и инсценировками, активно
противопоставляющими себя живому
человеческому опыту”.
Российское
направление развития дизайна.
ВХУТЕМАС,
первоначально (до 1921года) – Свободные
художественные мастерские, основаные
в 1918 в Москве на базе Московского училища
живописи, ваяния и зодчества и
Строгановского художественно-промышленного
училища. Организация ВХУТЕМАСа явилась
одним из мероприятий, имеющих целью
создание и развитие советской
художественной культуры. Однако проникшие
к руководству ВХУТЕМАСа формалисты
применяли в нем уродливые методы
обучения, препятствовавшие развитию
творчества молодежи в духе реализма и
национальных традиций (пропаганда
формализма под видом пролетарского
искусства, создание мастерских по
вульгарному ремесленно-технологическому
принципу). Деятельность формалистов во
ВХУТЕМАСе вела к развалу и ликвидации
художественного образования. В 1926-1927
ВХУТЕМАС был реорганизован во ВХУТЕИН.
ВХУТЕИН
– Высший государственный
художественно-технический институт.
Учрежден в Москве в 1926-27 на базе ВХУТЕМАСа.
Состоял из основного (общеобразовательного)
отделения и факультетов: архитектурного,
скульптурного, живописного, полиграфического,
деревоотделочного, металлообрабатывающего
и текстильного. Постановка общего и
профессионального художественного
образования во ВХУТЕИНе была значительно
улучшена по сравнению с ВХУТЕМАСом.
Однако в программах и практике обучения
ВХУТЕИНа еще сохранялись элементы
формализма. Среди преподавателей было
много формалистов. Поэтому ВХУТЕИН не
смог удовлетворительно справиться с
задачей воспитания советских художественных
кадров. ( Или кто-то просто очень хотел
его закрыть.) В 1930 ВХУТЕИН был закрыт.
Вместо него были созданы Московский
архитектурный институт и Московский
художественный институт (которому
позднее было присвоено имя В. И. Сурикова.
Высшие
художественно-технические мастерские
были открыты в Москве 29 ноября 1920 года.
ВХУТЕМАС включал восемь факультетов:
печатно-графический, живописный,
скульптурный, деревоотделочный,
архитектурный и факультет металлообработки.
Студенты проходили первоначальное
двухгодичное обучение на основном
отделении, первым деканом которого был
Александр Родченко. Они приобщались к
основам художественной культуры, изучали
цвет, объем, пропорции, ритм, динамику.
На графическом факультете ВХУТЕМАСа
были отделения ксилографии, литографии,
гравюры на металле, фотомеханики и
наборно-печатное. Здесь преподавали
выдающиеся художники и ученые В. Фалилеев,
А. Сидоров, А. Эфрос, П. Флоренский, В.
Фаворский и др.
Родченко Александр
Михайлович
(1891-1956), российский дизайнер, график,
мастер фотоискусства, художник театра
и кино. Один из основоположников
конструктивизма, родоначальник нового
вида искусства ? дизайна. В 1920-30 преподавал
на деревоотделочном и металлообрабатывающем
факультетах Вхутемаса-Вхутеина (в 1928
факультеты были объединены в один
Дерметфак). С 1921 по 1924 работал в Институте
художественной культуры (Инхук), где
сменил в 1921 В. В. Кандинского на посту
председателя. В 1930 году на базе
полиграфического факультета ВХУТЕИНа
(Высшего художественно-технического
института – так к этому времени называлось
учебное заведение) был создан Московский
художественно-полиграфический институт
(МХПИ), ныне – Московский государственный
университет печати. Выпускники
ВХУТЕМАСа-ВХУТЕИНа-МГУПа, станковисты
и иллюстраторы, во многом определили
лицо российского искусства ХХ века.
Дизайнерами
становились не благодаря, а во многом
вопреки существовавшим дизайнерским
учебным заведениям. Особенностями
национального дизайн-образования, его
базовыми знаниями, как всем известно,
были широкая (то есть никакая)
общеобразовательная подготовка плюс
академическое общехудожественное
образование родом из XVIII века, переродившееся
в школу социалистического реализма.
Про то время можно было сказать, что
дизайнерского образования у нас не
было, а дизайнеры – были.
Хронология
российского промышленного дизайна.
В России в 1923 году
создан первый (у нас) легковой автомобиль.
В 1925 году – участие
в Парижской выставке, где с нашей стороны
была представлена: Изба-читальня –
рабочий клуб с полной предметной
начинкой.
1926 год – выпушена
серия малолитражных тракторов.
1935
год – метро в Москве. 1939 год – малолитражные
автомобили.
1948 год – автомобиль “Победа
М-20”, серия трамваев. В послевоенные
годы в истории дизайна наметились две
тенденции. Приверженцы первого направления
считали, что моральный долг дизайнеров
– способствовать эстетическому развитию
публики, тогда как другие, придерживаясь
демократических взглядов, стремились
дать публике то, что она, скорее всего,
желала получить и что определялось
коммерческим успехом. 1949 год –
цельнометаллические вагоны поездов с
откидывающимися полками.
1950 – 1960-е
годы. Дизайнерские фирмы, стремительно
развиваясь, использовали свой талант
не только для оформления товара, но и
для его упаковки, для оформления
интерьеров торговых помещений, витрин,
выставок, средств общественного
транспорта, для изготовления фирменных
знаков, логотипов, фирменных канцелярских
бланков, для разработки общей концепции
иммиджа данной корпорации.
Hа первом этапе
развития (1917-1922) дизайн формировался на
стыке производства и агитационно-массового
искусства. Основным объектом стало
художественное оформление новых форм
общественной активности масс: политических
шествий и уличных празднеств. Оригинальная
конфигурация и устройство трибун,
агитационных и театральных установок,
киосков доказали обоснованность переноса
акцентов с разработки новых стилистических
приемов на художественно-конструкторские
проблемы. Hаиболее интенсивно развивается
графический дизайн, что проявляется в
принципиально новом подходе к созданию
плаката, рекламы, книжной продукции.
Hеобходимо
отметить немаловажную роль театра в
становлении конструктивизма. Всеволод
Мейерхольд предоставил сцену для
реализации данной концепции на практике.
Hа первый план выходит материальная
сторона художественного творчества,
которое трактуется как сознательная и
целесообразная организация элементов
произведения, как изобретательство.
Конструктивизм переориентировал
представителей беспредметного искусства
на социальную целесообразность
творчества. В качестве основателей
конструктивизма, чье творчество имело
принципиальное значение для дальнейшего
развития дизайна, можно назвать В.
Маяковского, В. Татлина, О. Брика, В.
Кушнера, позднее – Б. Арбатова, А. Веснина,
В. и Г. Стенбергов, А. Гана, А. Лавинского,
Вс. Мейерхольда, А. Родченко, В. Степанову,
Л. Попову. Их центром стал созданный в
1919 году Совет мастеров, а позднее – ИHХУК
и, главным образом, Рабочая группа
конструктивистов ИHХУКа (А. Родченко,
братья Стенберги, К. Медуницкий, К.
Йогансон).
Преобладание в
социальном заказе на дизайн элементов
агитационно-массового искусства
предопределило активное участие в
движении “от изображения к конструкции”
прежде всего художников и их профессиональных
организаций.
Второй этап развития
дизайна в России (1923-1932) можно считать
временем становления его профессиональной
модели. Россия становится одним из
важнейших центров формирования дизайна.
Происходит становление школы
профессиональной подготовки дипломированных
дизайнеров – производственных факультетов
ВХУТЕМАСа.
В этот период
формируются оригинальные творческие
концепции дизайна, определившие его
дальнейшее развитие. Более подробно о
них можно узнать из работ самих авторов
– А. Родченко, Л. Лисицкого, В. Татлина.
Задача создания новой среды жизнедеятельности
придала особый импульс развитию
конструктивизма. Производственные
факультеты ВХУТЕМАСа охватывает эйфория
изобретательства. Безусловно, тон
задавали их лидеры – А. Родченко и Л.
Лисицкий, которые наиболее ярко проявили
себя именно в графическом дизайне.
Фотомонтаж, коллаж, шрифтовые композиции,
рекламная и плакатная графика, книжные
конструкции составляют золотой фонд
мирового дизайна. Множество их открытий
и проектов в других областях (новые
принципы организации выставочных и
бытовых интерьеров, типовой мебели,
архитектурных ансамблей и небоскребов)
были реализованы значительно позже.
Третий этап
(1933-1960) был достаточно печальным для
развития дизайна в России: он перестает
быть интегрирующей творческой
деятельностью, развитие которой
определялось универсальной концепцией
(вне зависимости от специфики объекта).
Принцип стандартизации применялся не
только к человеку, но и к создаваемой
искусственной среде. Стихия изобретательства,
которая позволила отечественному
дизайну достичь высот мирового признания,
явно не вписывалась в изменившуюся
атмосферу. Дизайн как единый процесс
формообразования окружающей среды
перестал существовать. Он был расчленен
на узкоприкладные направления:
инженерно-технический, предметно-бытовой
и декоративно-оформительский, которые
воспринимались как различные виды
деятельности. Кончилась целая эпоха
единой эстетической концептуальности,
которая не зависела от специфики объекта.
Однако потенциал,
накопленный авангардом, еще какое-то
время сказывался в проектных работах.
В первую очередь в продукции графического
дизайна: политических и киноплакатах,
книгах, рекламе.
Четвертый этап
развития дизайна определяется по-разному:
60-80-е или 60-90-е годы. Его начало
характеризуется безусловным интересом
к наследию 20-х годов. Созданный в 1961 году
Всесоюзный научно-исследовательский
институт технической эстетики (ВHИИТЭ)
начинает свою деятельность с издания
журнала “Техническая эстетика” и
выпуска тематических сборников, которые
самым подробным образом обратились к
первой волне русского авангарда,
поставившей советский дизайн на одно
из первых мест в европейской эстетике
того периода, Это время возрождения
художественного конструирования.
Большое внимание уделялось разработке
новой концептуальной базы дизайн-деятельности,
обоснованию ее новых видов, органично
отвечающих современным требованиям.
В 60-е годы были
пересмотрены многие стандарты. Пристальное
внимание было обращено на функциональные
и эстетические качества предметов
народного потребления. Пожалуй, можно
сказать, что именно в то время дизайн
получил самый массовый заказ за весь
период своего существования в нашей
стране.
В связи с этим
расширилось поле деятельности и для
рекламы. Развивается система
специализированных изданий: “Книжное
обозрение”, “Рекламное приложение”
к “Вечерней Москве”, “Hовые
товары”.
Значительно
изменился внешний вид периодических
изданий. Во многом этот процесс происходит
под влиянием западноевропейской школы
графического дизайна. Белое пространство
признается одним из сильнейших средств
выразительности, малогарнитурный набор
– признаком стиля. Многие новые издания
создаются по необычной методике – с
первоначальной разработкой модульной
сетки. Однако подобное “оживление”
продолжалось сравнительно недолго.
70-е годы практически прервали заказ
производства и бытовой сферы на
профессиональный дизайн Это было время
критической реакции на авангард первой
(1910-1920 годы) и второй волны (1950-1960 годы).
Hа первый план выдвигается ценность
обыденного и анонимного что отражают
эклектические тенденции всевозможных
“ретро”-стилей.
ВHИИТЭ сумел
сохранить теоретическую школу, продолжая
изучать опыт европейского дизайна и
предлагая свои концепции. Это ясно видно
по информационным выпускам и журнальным
публикациям. Огромный научный потенциал
был также накоплен и в Ленинградском
высшем хупожественно-поомышленном
училище им В. И. Мухиной Их деятельность
позволила уже в начале 80-х годов, когда
запрос на дизайн резко вырос, сформулировать
и обосновать типологическую матрицу
современного дизайна, а также применить
на практике собственные концепции, в
частности концепцию системного дизайна
– возможного провозвестника эпохи единой
проектной концептуальности.
В конце 80-х – начале
90-х годов появление предприятий частных
форм собственности, развитие отношений
конкуренции, с одной стороны, и
коммерциализация прессы, с другой,
возродили российскую рекламу как одно
из важнейших средств массовой коммуникации.
Появились чисто рекламные издания
(“Центр Plus”, “Экстра М” и др.) и
многочисленные рекламные агентства.
Соответствующие отделы были созданы
практически во всех средствах массовой
информации и крупных фирмах. В связи с
этим в значительной степени повысился
интерес к дизайну вообще и к графическому
дизайну в частности. Однако общие
тенденции развития данного вида
деятельности привели к тому, что дизайн
воспринимался исключительно в
узкоприкладном значении данного термина
либо как промышленный, либо как графический
дизайн, – все так же лишенный единой
концептуальности, которая была традиционна
для российского дизайна в период его
возникновения и взлета в 20-е годы.
Художественные
и технические приемы дизайна
История дизайна
неразрывно связана с эволюцией предметного
окружения человека, в особенности
историей развития техники и технологий.
Приглядимся
внимательнее к предметам, сопровождающим
наш быт. Вещественное окружение человека
– мебель, посуда, хозяйственный инвентарь
– представляет собой хранилище
информации, передаваемой через
тысячелетия. Когда человек садится за
стол, врядли ему приходит в голову, что
форма и назначения этого предмета мало
изменились со времен Древнего Египта
или Древней Греции. Во все эпохи человек
стремился к оптимальной среде обитания.
И руководствовался в своем стремлении
не только личным вкусом и модой, но и
современными ему требованиями комфорта.
Прежде чем приступить
к дизайну необходимо обозначить ее
основные этапы. Между художественным
замыслом, существующим в воображении,
и конкретным изделием – дистанция
огромного размера. Начинают с эскиза,
эскизов следует делать несколько, чтобы
сравнить, обдумать и выбрать лучший.
Далее следует проект, в который могут
входить план, расчеты, перспектива,
макет. Следующий этап – рабочий чертеж.
Дизайн существует
одновременно в области искусства и в
области техники. Соответственно и язык
понятий которыми оперирует дизайнер,
делится на две группы:
1) художественная:
стиль, пространство, среда, композиция,
пропорция, пластика, ритм, цвет, свет,
контраст, нюанс, фактура.
2) техническая:
реконструкция, планировка, кубатура,
перспектива, масштаб, эскиз, чертеж.
итогового
междисциплинарного экзамена по
дисциплине:
«История дизайна науки и техники» Дизайн в системе пространственных искусств.
Дизайн – вид
проектно-художественной деятельности.
Связь дизайна с разработкой предметного
окружения человека, систем визуальной
коммуникации и информации. Организация
жизни и деятельности человека на
функциональных, рациональных началах.
Пространственные
искусства и дизайн.
Дизайн и его связь
с научно-технической визуальной и
художественной культурой: отражение
влияния новаций и изображений в технике,
инженерном и художественном творчестве.
Он – продукт культуры, инструмент
культурного строительства, фактор,
активно формирующий культуру.
На
протяжении многих веков
предметно-пространственная среда
человека была рукотворной, все предметы,
окружавшие его, были результатом
кропотливого и длительного труда
мастеров-ремесленников. Процесс
изготовления любого предмета являлся
не только следованием простой
технологической схеме, но и священнодействием.
Мастер вкладывал в работу свою душу,
представления о мире, от чего сам предмет
наполнялся жизнью. Всё стало иначе,
когда на рубеже ХIХ в.в. возникла
потребность «наполнить жизнью» предметы
массового потребления, изготовленные
промышленным способом. Предметно-пространственная
среда перестала быть рукотворной, её
создают машины. Машинный труд во много
раз превосходит труд ремесленника, но,
вместе с тем, «то», чем бережно наполнялся
предмет в ремесленной мастерской,
невозможно «поместить» в каждом из
тысячи предметов, производимых машиной.
Возникла
необходимость формализации интуитивно
творимых ранее действий по одушевлению
предметов, для того, чтобы, руководствуясь
некоей схемой их можно было осуществлять
в промышленном производстве.
Кустарное производство – ручной труд
примитивные орудия труда, примитивная
технология, малосерийное производство
+ учитывались все потребности человека
к вещи: полезность, функциональное
совершенство, удобство, красота,
экономическая целесообразность
(дороговизна) Производством бытовых
вещей издавна занимались ремесленники.
Понятно, что ремесленник – не дизайнер.
Ремесленник делает одну и ту же вещь из
одного и того же материала. Вещи получались
индивидуальные, эксклюзивные, дорогие
(при качестве) и производились в малом
количестве (сколько сможет осилить один
человек) 6 принципов работы кустарного
дизайнера: социологический, инженерный,
эргономический, эстетический,
экономический, экологический.
Индустриальное производство – С
приходом века индустриализации дизайнер
стал создавать прототипы изделий,
которые с помощью машин производили
другие люди. Практика раннего дизайна
была весьма примитивной. Функциональностью
и экономичностью производимой продукции
занимались инженеры, а дизайнеры отвечали
лишь за ее эстетический вид. Оказалось,
что дизайнеры должны создавать прототипы
массового машинного производства,
предварительно изучив технологию
современного производства и свойства
материалов. Назначению изделий и простоте
обращения с ними придавали столь же
важное значение, как и их внешнему виду.
В скором времени дизайнерские
фирмы стали набирать в штаты чертежников,
модельщиков, инженеров, архитекторов
и специалистов по изучению рынка. В 1785
г. в Англии начало развиваться
индустриальное машинное производство
– специализация, узкопрофессиональный
подход, разделение труда, потоковость.
Этап дизайна соединил достоинства
предыдущих двух этапов. Дизайнер работает
на промышленном производстве, использует
различные материалы и технологии.
Дизайнер связан с массовым производством
и с его возможностями.
Дизайн
как профессия возник и сформировался
в 20 веке. Но те или иные его черты и даже
характерные проявления встречаются
ещё в самом начале развития общества.
Поиск точной даты рождения дизайна
невозможен, но как профессия он возник
именно тогда, когда его основы стали
преподавать с кафедры, а выдача
соответствующих признаваемых обществом
дипломов поставила специалистов в
области дизайна в один ряд с представителями
других нужных обществу профессий.
Принято
выделять два основных направления в
становлении дизайна: Российское
(ВХУТЕМАС) и Германское (БАУХАУЗ).
В
основе всех мировых школ дизайна лежат
образовательные концепции, так или
иначе восходящие к опыту ВХУТЕМАСа-Баухауза.
Исторические этапы формообразования
Периоду массового машинного производства промышленных продуктов предшествовал труд ремесленника, сочетающий принципы дизайна с изготовлением изделия. В середине ХIХ века кустарное, ремесленное производство, предваряющее дизайн, как художественное конструирование, все активнее теснила индустриализация во всех отраслях промышленности. Необходимо отметить, что примитивная технология и ручной труд ремесленников, несмотря на отсутствие конкурентоспособности с промышленным производством, создавали индивидуальные, эксклюзивные продукты, характеризующиеся функциональным совершенством, удобством, красотой, экономической целесообразностью. На этапе становления организационных форм основные принципы работы ремесленников легли в основу зарождающегося промышленного дизайна: социологический, инженерный, эргономический, эстетический, экономический, экологический.
В первой половине XIX века в России развитие индустриального машинного производства было ознаменовано наращиванием художественно-профессионального кадрового потенциала и открытием специализированных учебных заведений «училищ технического рисования». Воспитание художников нового типа – художников для промышленности – стало массовым явлением в центрах развития производств.
В этот период активно разрабатывались вопросы технологии обработки различных материалов, развивались науки, связанные с гигиеной труда на производстве и пользованием предметами быта, систематически проводились промышленные выставки. Наметилась тенденция синтеза искусств, поиск монументально-декоративных форм и эстетизации среды обитания человека, стремление архитекторов и художников к созданию единого архитектурно-художественного ансамбля, в котором все элементы (в т. ч. интерьер и аксессуары) составляли единое художественное целое. Этому способствовало развитие техники и конструкции, типология строительства (промышленные предприятия, вокзалы, магазины, доходные дома). Поиску нового стиля и новых эстетически функциональных свойств способствовали также новые строительные материалы: стекло, металл, бетон. Стремлению к гармонизации и эстетизации средового пространства способствовали также множащиеся производства традиционных строительных материалов: кирпичные и металлургические заводы, кузнечное производство (рис. 1, 2, 3, 4).
«Научно-технические открытия и изобретения ХIХ − начала ХХ веков и их роль в становлении дизайна» 👇
Рисунок 1. Пример кубанской ковани. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ
Рисунок 2. Пример кубанской ковани. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ
Рисунок 3. Пример кубанской ковани. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ
Рисунок 4. Пример кубанской ковани. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ
На фото выше приведены характерные образцы кубанской ковани рубежа XIX-XX веков, сохранившиеся до настоящего времени (фото автора).
Находясь в постоянном творческом поиске новых функционально обоснованных форм в этот период, художники и архитекторы культивировали идею синтеза всех искусств в среде обитания человека. Яркими представителями и основоположниками отечественного дизайна, как универсальной творческой профессии, на рубеже XIX-XX вв. стали: живописец, график, проектировщик мебели и ювелирных изделий В. В. Кандинский и график, мастер фотоискусства, художник театра и кино А. М. Родченко − один из основоположников конструктивизма.
Промышленный переворот и новый способ производства, ознаменовавший активный поиск новых форм в Европе и США середины XIX века, стимулировал развитие дизайна. Этому способствовало массовое появление механизированных ткацких фабрик (первая механизированная ткацкая фабрика 1801 г. в Англии), переход к механизированному изготовлению деталей и стандартизации, развитие авиации (самолетный челнок Джона Кея) и машиностроения, паровые двигатели, конвейер. Научно-технический прогресс моментально превращал любые достижения человеческой мысли в бытовые приборы, полезные вещи и инструменты.
В этот период в Германии формируются основные направления дизайна, зарождается школа промышленного искусства, начавшая готовить профильных специалистов уже на рубеже XIX-XX вв. Образовательные концепции немецкой школы промышленного искусства («das Bauchaus») строительства и художественного конструирования, просуществовавшей до 1933 года и упраздненной фашистами, считаются основой всех мировых школ дизайна.
Международные промышленные выставки
Наряду с развитием теоретических воззрений на производство (теоретик машиностроения Франц Рёло) во взаимосвязи с развитием культурных практик (писатель Уильям Моррис), огромный практический стимул развитию проектного творчества и формообразования оказали промышленные выставки. Первая Всемирная промышленная выставка состоялась в Англии в 1851 г., где Хрустальный дворец Джозефа Пакстона произвел мировой фурор и надолго стал объектом дискуссий и обсуждений не только в среде архитекторов и художников, но и в обществе. Экспонаты художественного раздела, различные способы рекламы Всемирной промышленной выставки 1861 г. удивляли и притягивали внимание участников. Омнибусы, движущиеся тротуары и др. поражали воображение.
Уже в 1867 г. Всемирные выставки в Париже, представившие на обозрение участников «Дворец промышленности» и «Дворец машин» в 1889 г., стали отправной точкой для инновационных разработок в области средового дизайна, дизайн-графики и промышленного дизайна. Конструктивные и функционально-эстетические характеристики башни Густава Эйфеля (1889 г.) до настоящего времени не утратили своей инженерной и эстетической уникальности.
Новые стили в странах Европы на рубеже XIX-XX вв.
Новинкам промышленности соответствовал поиск новых способов выражения стилевой направленности в архитектурном дизайне и дизайне интерьера. Проблемы функционально-эстетической целесообразности организации частного жилого помещения стали объектом общественного обсуждения. Так, дух новаторства, присущий индустриализации производства на рубеже XIX-XX вв., захватил художников, изобретающих новые стилевые тенденции в рамках Арт-нуво: (стиль «метро» или «стиль Гимара» во Франции, «стиль Орта» в Бельгии, «югендстиль» в Германии, «цветочный стиль» или «Либерти» в Италии, «сецессион» в Австрии, «модерн» в России).
На фоне промышленного производства предметов мебели и других изделий прикладного характера, их тиражирования, начался период активных творческих изысканий в сфере проектной деятельности, формировалась эстетическая концепция образа жизни. Стилевые решения интерьера любого назначения вместе с архитектурой должны были составлять среду, т.е. эстетически завершенный, удобный, целесообразно-организованный предметно-пространственный ансамбль. Этому способствовало колоссальное развитие средств и путей сообщения на рубеже XIX и XX столетий, сблизившее разделенных морями и океанами разных культур. Накопившаяся в Европе своеобразная «усталость» от традиционных форм и образов, преодолевалась внедрением африканского или азиатского искусства, воспринимаемых ранее как экзотические отклонения от стандартов. Началось движение к полновесному использованию художниками-проектировщиками и архитекторами всех доступных средств выразительности.